Истоки русской музыки восходят к творчеству восточно-славянских племен, населявших территорию Древней Руси до возникновения в IX веке первого русского государства. О древнейших видах восточно-славянской музыки можно судить гипотетически по отдельным историческим свидетельствам, материалам археологических раскопок, а также по некоторым пережиточным элементам, сохранившимся в позднейших образцах песенного фольклора. Ко времени образования древне-русского государства с центром в Киеве народная песня занимала важное место в семейном и общественном быту, были известны музыкальные инструменты различных типов. Уже в VI веке гусли – один из любимых инструментов славян.

Широкое распространение получил обрядовый фольклор, связанный с языческими религиозными верованиями и ритуальными действиями, сложившимися в эпоху общинно-родового строя. Многие языческие обряды продолжали жить в народе и после введения Христианства на Руси (конец Х века), несмотря на суровое осуждение и преследования со стороны церкви. Вплоть до XVII века церковными властями издавались указы и грамоты, направленные против любимых народом «бесовских» игр и песен. С течением времени язычество как целостная система верований и представлений о мире отмирало и языческий обряд, утрачивая магически-культовое значение, становится элементом игры. Но при этом сохранились внешние формы обряда и некоторые моменты, регламентировавшие его отправление.

В Древней Руси не существовало развитых форм профессиональной светской музыки, что определяло особенно большую роль фольклора в жизни общества. Народная песня бытовала не только среди трудящихся масс, но и в высших феодальных кругах вплоть княжеского двора. Основными носителями светской художественной культуры были скоморохи, представляющие собой тип средневекового синкретического актера и музыканта. Они различались по социальному положению и характеру своего искусства. Бродячие скоморохи, выступавшие перед простым народом на улицах и площадях, находились вне социальной иерархии феодального общества и были лишены всяких прав. «Служилые» скоморохи, прибывавшие в услужении у феодалов и князей, были более обеспеченными и пользовались защитой своего патрона. Среди скоморохов встречались гусляры, гудошники, «свирцы» (исполнители на примитивных духовых инструментах). Репертуар их складывался преимущественно из народных песен и плясок. Лишь в XVII веке под влиянием общекультурных сдвигов скоморошество потеряло свое значение и было оттеснено из центральных областей России на северные окраины.

С принятием в конце Х века христианства как государственной религии начала развиваться церковная музыка. Формы древнерусского церковного пения, а в значительной степени, вероятно, и самые его напевы, были заимствованы из Византии. Оттуда же была воспринята система их фиксации с помощью особого рода условных знаков, представлявших собой разновидность невменного письма.

В результате переосмысления заимствованных византийских форм возник свой, вполне самобытный тип древнерусского певческого искусства – знаменное пение или знаменный распев. Проследить этапы этого процесса не представляется возможным, так как ранние формы знаменной письменности не расшифрованы.

Первые известные памятники древнерусской музыкальной письменности относятся к концу ХI – началу XII веков. Вместе с тем в практике церковного пения бытовала устная традиция. Лишь в XV – XVII вв. все виды церковных песнопений были «положены на знамя» и пение «по крюкам» (крюк – наиболее распространенных знаков знаменного письма) вошло во всеобщий обиход.

Важнейшими признаками древнерусского певческого искусства являлись – строго выдержанное одноголосие, без инструментального сопровождения, плавность мелодического движения, отсутствие скачков на большие интервалы, тесная связь мелодии со словесным текстом, состоящим из строк неравной длины, как следствие этого – свобода метроритмической организации, несимметричность структуры напевов, построение напева на основе готовых канонизированных формул посредством их сцепления и вариантного преобразования. Сумма формул-попевок, составляющих мелодический фонд знаменного распева, охватывалась системой осмогласия.

В Киевской Руси наряду с обычным знаменным существовал особый род кондакарного пения, отличавшегося обилием мелодических украшений, длительными распевами слогов.

После распада Киевской Руси возник ряд певческих школ, среди которых особенно выделялась новгородская. В период феодальной раздробленности Новгород был основным хранителем древнерусских певческих традиций. С конца XIV века выдвигается Москва как общерусский центр певческого искусства, объединяющий и синтезирующий достижения местных школ.

В XVI веке был создан образцовый хор государевых певчих дьяков, который помимо участия в царских богослужениях выполнял функции инспектирования наблюдения за состоянием церковного пения в стране.

В середине XVI века сложилась школа московских певцов и распевщиков, сыгравшая важную роль в развитии церковно-певческого искусства. Основателем ее считается Савва Рогов, среди его учеников и последователей пользовались известностью Федор Крестьянин, Иван Нос, Стефан Голыш.

В этот период знаменный распев достиг расцвета, возникло множество мелодических вариантов. От знаменного распева ответвились особые разновидности монодического хорового пения – демественный распев и путевой распев.

XVII век был переломным в истории русской музыки, завершая древний и одновременно подготавливая новый периоды ее развития. Кризис средневекового мировоззрения, ломку привычного строя понятий и взглядов отражали споры по вопросам церковного пения, в которых сталкивались два направления. Одно из них стремилось путем частичных реформ укрепить старую традицию, другое выдвигало и отстаивало новые формы, связанные с иной системой эстетических воззрений, иным пониманием искусства в жизни.

В середине XVII века были введены киноварные пометы (буквенные обозначения, которые проставлялись над основным рядом певческих знаков и указывали точную высоту звука). В основу этой системы положен так называемый обиходный звукоряд из двенадцати диатонических ступеней, разделявшийся на четыре «согласия». Наряду с разработкой и систематизацией теоретических основ знаменного распева в XVII веке происходило его дальнейшее мелодическое обогащение, возникали новые песнопения и их варианты, певческие стили или как они назывались тогда распевы – киевский распев, болгарский распев, греческий распев.

Во второй половине XVII века утвердился новый стиль хорового многоголосия – партесное пение, который первоначально сложился на Украине и в Беларуси (Н.Дилецкий, И.Коренев). Простейшие виды партесного пения основывались на мелодиях знаменного распева. Высшей формой партесного пения был хоровой концерт a cappella для 8-12 и более голосов.

В XVII веке при дворе и в домах просвещенного русского боярства появились клавесин, орган и другие европейские инструменты, создавались домашние инструментальные капеллы. Музыка занимала большое место в придворном театре (1672 – 1676 гг.).

Некоторые из стилистических форм и жанров русской музыки, сложившихся в XVII веке, продолжали жить и в следующем столетии. Так, партесный концерт оставался важнейшим видом творчества русских композиторов до середины XVIII века. Среди его многочисленных мастеров – Н.Калашников, Н.Бавыкин, Ф.Редриков.

Под непосредственным воздействием прогрессивных демократических направлений русской общественной мысли и литературы в последней трети XVIII века сформировалась национальная композиторская школа. Ее представители стремились соединить в своем творчестве стилистические принципы и формы раннего европейского классицизма с темами и образами из русской жизни, с мелодическим складом русской народной песни. Появились первые печатные сборники народных песен – Трутовского, Львова и Прача. Многие из помещенных в них записей народных мелодий были использованы композиторами.

Важнейшее место в творчестве композиторов XVIII века занимал оперный жанр. Наиболее видные композиторы этого времени – В.А.Пашкевич, Е.И.Фомин, Д.С.Бортнянский, М.Березовский, И.Хандошкин и др.

История русской музыки, как и история русских традиций и нравов - есть итог длительного многовекового эволюционирования, в процессе которого сформировывались и развивались индивидуальные культурные достижения. К таким достижениями конечно относится и богатое наследие российской музыкальной культуры, которое включает в себя народный фольклор, произведения русских композиторов с мировым именем, свободное творчество бардов, а также особый национальный стиль русского романса.
История русской музыки начинается с развития фольклорной культуры древних славянских общин, расселившихся на землях Киевской Руси. Огромное количество национального творчества в виде народных песен, сохранившегося до нашего времени, несут в себе характерный оттенок язычества на ряду с христианскими традициями. Характерные черты русской народной музыки послужили главной основой, на которой в будущем строилось все музыкальное русское творчество.
Русская народная музыка подразделяется на множество жанров, среди которых самыми старинными является песенный жанр. Песни бывали самые разнообразные, например обрядовая песнь, свадебная и танцевальная песня, эпические и повествовательные песни, лирические и драматические песни. Да и практически вся древняя народная музыка являлась преимущественно песенной, что специалисты связывают с существовавшим запретом на музыкальный инструментарий в церкви (у католических народов напротив, церковь являлась центром исторического развития музыкальной культуры). Поэтому музыкальные инструменты имели бытовой или народный характер. Известными умельцами в деле музыкального искусства бали пастухи, которые играли на гуслях, дудках и рожках.
В древних повестях помимо этих инструментов упоминаются также бубны, натуральные охотничие рога.
В эпоху средних веков, публичные исполнители и музыканты, именуемые скоморохами, подвергались гонениям и преследованиям, их, и не только, музыкальные инструменты повсеместно уничтожались. Поэтому до наших дней дошли буквально единицы средневековых инструментов. Однако с русским музыкальным творчеством ассоциируется такие инструменты, как гитара с семью струнами, мандолина и гармонь (которая так и называется русской гармонью или баяном). Но следует знать, сто подобные инструменты вошли в русскую культуру только в 18-19 веках. А уже в 19 веке был создан первый в история русской музыки оркестр, состоящий только из русских народных инструментов. Музыка, ставшая впоследствии именоваться классической русской музыкой, характеризовалась произведениями таких всемирно известных композиторов, как М. И. Глинко, М. П. Мусоргский, Римский-Корсоков, Бородин, Шаляпин, Чайковский, Рахманинов и т. д., а к советским помпозиторам относят не менее прославленные имена Хачатуряна, Прокофьева, Шостаковича, Шнитке. В отличие от русской музыки, для западных классиков свойственно исполнение в рамках одного стиля. О русских авторах сказать такого нельзя: каждый из них отличается неповторимой музыкальной харизмой и глубоко выраженным авторским творчеством.
Среди потрясающих оперных исполнителей особо можно выделить Шаляпина, певца, имевшего настолько невероятный тембр голоса, что по слухам, он, однажды отправившись на отдых в Крым, сумел разбить бокал шампанского, предложенного ему в одном из местных горных гротов князем Львом Голициным.
К сожалению, множество классиков русской музыки были вынуждены эмигрировать после государственного переворота, устроенного советской властью в 1917 году. Однако они продолжали творить и из-за рубежа.
Уже в поздний советский период в России распространяется популярное эстрадное исполнение, яркими представителя которого были и ныне живущие А. Пугачева, В. Леонтьев, И. Кобзон, Лещенко, Ротару и много-много остальных. К концу двадцатого столетия российская популярная музыка развивалась по западному примеру, и популярна она в основном среди русскоязычного населения. На западном музыкальном поприще русским певцам редко удается достигнуть высот мирового уровня, а в русском языке в отношении легко мысленного популярного музыкального направления возникло особое сокращение, которое звучит как попса.
История русской музыки, которая несет в себе великие произведения, является неотъемлемой частью народного достояния. От молодых дарований умудренные опытом наставники всегда с надеждой ожидают, что это он непременно станет великим, войдя в история русской музыки, как некогда вошли великие композиторы.

Федеральное агентство по образованию

Уфимская государственная академия экономики и сервиса

Кафедра Туризма и гостеприимства

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «Мировая культура и искусство»

на тему: Русская музыкальная культура XIX века и ее мировое значение

выполнила: студентка гр. СД-21

Михайлова И.В.

проверила: к.и.н., доцент

Котова Т.П.

Введение

Исторический фон

Развитие песенной культуры России в XIX веке

Русская композиторская школа

·Михаил Иванович Глинка

·Александр Сергеевич Даргомыжский

·«Могучая кучка»

·Гениальный Петр Ильич Чайковский

Заключение

Список литературы

Приложения

Введение

Без музыки жизнь была бы ошибкой. (Фридрих Ницше)

Музыка - это разум, воплощенный в прекрасных звуках. (Иван Сергеевич Тургенев)

Музыка - посредница между жизнью ума и жизнью чувств. (Людвиг ван Бетховен)

Русское слово «музыка» - греческого происхождения. Музыка из всех видов искусств наиболее непосредственно воздействует на восприятие человека, «заражает эмоциями». Язык души, так принято говорить о музыке именно потому, что она обладает сильным воздействием на подсознательном уровне на область чувств человека, но нельзя исключить при этом и воздействия на область разума. Дать исчерпывающе точное определение явлению (или субстанции), называемому «музыка» невозможно.

Неизмеримо богатство русской музыки. На протяжении свыше десяти столетий складывались и развивались ее традиции в тесном соприкосновении с музыкальной культурой других стран и в постоянном взаимодействии с другими видами художественного творчества.

Русская музыка - важнейшая часть русской культуры. Подобно русской литературе, поэзии, живописи, театру, она ярко отражает все этапы общественной жизни, становление русской философской и эстетической мысли. В ее многообразных жанрах и формах нашли свое воплощение история народа, его освободительная борьба, характер русского человека, своеобразие русской природы и быта.

В своей курсовой работе я решила показать музыкальное развитие России XIX века, которое происходило на фоне важнейших исторических событий - Отечественная война, восстание декабристов, отмена крепостного права и т.д.

Задача работы - проанализировать состояние музыкальной культуры России XIX века, выявить ее особенности, рассказать о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявить значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

В своей курсовой работе будут задействованы такие методы исследования как изучение и анализ литературы и документов, обобщение, анализ продуктов деятельности, описание.

При изучении данной темы я буду использовать литературу: Энциклопедия «Кругосвет», Русская музыкальная литература Э.Смирновой, Никитина Л.Д. История русской музыки и др.

Исторический фон

музыкальная песенная культура композитор

XIX век в России связан с крупнейшими политическими и социальными изменениями, и большую роль в этом играла война 1812 года и отмена крепостного права. В литературе, поэзии, музыке, живописи ярко обострилась тема социального неравенства.

Уже в первой половине XIX века русская культура достигает блестящего, ослепительно яркого расцвета. Освобождаясь от элементов подражательности, она находит оригинальные и самобытные формы выражения для разнообразнейшего, широчайшего по охвату содержания и создает великие непреходящие ценности общечеловеческого значения. Творчество таких ее гениальных представителей, как Пушкин, Лермонтов, Гоголь в литературе, Глинка в музыке составляет одну из высочайших вершин не только русского, но и мирового искусства.

Сильный толчок подъему общественной инициативы дала Отечественная война 1812 г. Патриотизм русских людей проявляется в возрастающей тревоге об общенародном благе, в широком осознании единых интересов нации, в стремлении поднять уровень национальной культуры и благосостояния.

Значительное влияние на развитие русской культуры XIX века оказало восстание декабристов. Все эмоции, мысли, переживания нашли отражение во многих музыкальных произведениях того времени. Эпоха декабристов положила начало развитию революционной песни в России. Большие заслуги в этом отношении принадлежат деятелям декабристского движения - Рылееву и Бестужеву. Традиции революционной песни, заложенные поэтами-декабристами, были подхвачены и развиты их современниками. Темы свободолюбия и протеста, борьбы против социального гнета глубоко проникли и в бытовую песню.

По мере роста и распространения освободительных идей, усиливалось и противодействие, оказываемое им правительством. Уже во вторую половину царствования Александра I определяется этот реакционный курс, выражающийся в разгромах университетов, усилении цензуры. Длительная полоса небывало жестокой, глухой и беспощадной реакции воцаряется в русской жизни после подавления декабристского восстания, вместе с восшествием на престол Николая I. Существование демократической публицистики, а тем более политических организаций, ведущих практическую революционную деятельность, было невозможно в России.

В этих условиях особенно большое значение приобретает литература, произведения Пушкина, Гоголя, Лермонтова становятся основным рупором освободительной мысли.

Все сказанное создает предпосылки для образования классических школ русской национальной литературы и искусства.

В развитии русской музыки Глинка сыграл роль, во многом аналогичную той, которая принадлежит Пушкину в развитии русской литературы. Как и Пушкин, Глинка широчайшим образом воспринял и претворил различные элементы современной ему художественной культуры. Усваивая все ценное и жизнеспособное из наследия своих предшественников, Глинка преодолевает их ограниченность и достигает огромного богатства, полноты содержания и совершенства художественного воплощения. По своей внутренней уравновешенности, идеальной гармонической цельности и законченности творчество Глинки оказалось для последующих поколений таким же неоспоримым образцом и классической нормой, как и пушкинская поэзия. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию. По пути Глинки идет в своем творчестве Даргомыжский. Он вносит в русскую музыку элементы большей социальной остроты, бытовой и психологической характеристичности, сатиры и юмора, подготавливая многое из того, что получит ясное оформление в творчестве молодой национальной школы 60-х годов. Глинка положил своим творчеством начало ее мировому влиянию.

Сообщения о русской музыке начинают все чаще появляться с этого времени в иностранной печати. За несколько месяцев до появления статей Берлиоза о Глинке известный французский музыковед Фетис писал о молодом еще Даргомыжском, как об оригинальном многообещающем музыкальном даровании России.

Исторический период 60-80 гг. 19 века принято называть пореформенным - в 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Развитие песенной культуры России в XIX веке

«Век был песен» - так сказал об эпохе Просвещения поэт Г.Р. Державин. Облик песенной культуры того времени был необычайно многообразен и даже многоязычен. В быту причудливо переплелись песни российские и французские, цыганские и немецкие, крестьянские и городские, любительские и профессиональные. Песня звучала со страниц литературных произведений и публиковалась в специальных сборниках «в удовольствие многих любителей», исполнялась в домах аристократов.

В XIX в. огромное внимание продолжили уделять изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.

Возникают некоторые новые жанры, старые формы (обиходные песни, песни на тему скитаний, сатирические песни) эволюционируют под влиянием нового жизненного содержания, меняется характер образов и интонационно-выразительных средств. Бытовая народная песня откликается на крупные политические и социальные события общенационального значения.

Широкое отражение получает в ней Отечественная война 1812 г. До нас дошел целый цикл песен о двенадцатом годе, связанных с устной фольклорной традицией. По своему содержанию и музыкально-поэтическим формам они очень разнообразны. Иногда в них используются приемы старых традиционных видов народно-песенного творчества.

Отечественная война вызвала также появление выразительных лирических

песен, в которых запечатлены глубокая народная скорбь, печаль и горе, вызывавшиеся тяжкими бедствиями отчизны, опустошением родного края, утратой близких.

Русская народная песня стала пользоваться исключительно широкой популярностью, распространяясь во множестве различных обработок - для хора, голоса с сопровождением и отдельных инструментов. С 1806 по 1815 года сборник Прача выходит вторым и третьим изданием. На его основе создавались песенные сборники общедоступного типа.

Широко известен был своими обработками народных песен талантливый русский музыкант, вышедший из крепостных крестьян, Данила Кашин. В 1833-1834 гг. вышел в свет его сборник «Русские народные песни» в трех частях. Для своего времени он является столь же характерным, как «Собрание» Прача для рубежа XVIII и XIX столетий. В начале 40-х годов появилось второе издание кашинского сборника, что свидетельствовало о его популярности и большом спросе на него. В приемах обработки Кашина ясно заметно стремление к подчеркнутой чувствительности, иногда несколько надрывного характера.

По одинаковому с Кашиным пути взаимопроникновения народно-песенных и городских романсных интонаций шел другой известный собиратель песен, по происхождению крепостной крестьянин, Иван Рупин, являвшийся также талантливым певцом-исполнителем (фамилия его произносилась современниками с итальянским окончанием - Рупини) и составителем популярного песенного сборника, изданного в 1831 г.

Рядом с различными бытовыми преломлениями русской народной песни развивается лирический сентиментальный романс, пользовавшийся также исключительно широкой популярностью в самых разнообразных слоях общества. Как и «российская песня» XVIII века, русский романс в преобладающей своей части был связан со сферой домашнего музицирования В музыкальном языке бытового романса простота средств сочетается с искренней непосредственностью и душевностью выражения. Важную роль в развитии русского романса XIX века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский (см. приложение 1).

Александр Александрович Алябьев (1787-1851) родился в старинной дворянской семье. В молодости он служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812г. Впоследствии оставил военную службу и посвятил себя творческой деятельности. Алябьев - автор известных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи Александра Сергеевича Пушкина), «Соловей»и других. «Соловей » - одна из любимых и наиболее распространенных песен Алябьева. Всё в ней скромно и просто. Песне предшествует оживленное фортепианное вступление в духе гитарного наигрыша. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно мягкая, задумчивая мелодия. Широкая и плавно закругленная, она сразу же захватывает и покоряет своей строгой красотой.

Композитор Александр Егорович Варламов (1801-1848) - автор популярных романсов. Всего он создал около двухсот произведений этого жанра, преимущественно на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов был известен также как певец, гитарист, дирижёр и педагог. Он написал одно из первых русских учебных пособий для вокалистов - «Полная школа пения» (1840 г.).

Александр Львович Гурилёв (1803-1858) был сыном крепостного музыканта (в 1831 г. он вместе с отцом получил вольную). Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв прославился как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.

Творчество Алябьева, Варламова и Гурилева - ценный вклад в сокровищницу русской музыки. Лучшие их песни и романсы входят в концертный репертуар певцов и хоров, они с любовью поются в народе и в наше время.

Русская композиторская школа XIX века

Михаил Иванович Глинка

Без сомнения самым ярким представителем композиторской школы первой половины XIX века является Михаил Иванович Глинка (1804-1857). Творчество Михаила Ивановича Глинки стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы, отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку. Детские впечатления Глинки отразились на его творчестве. Первые годы жизни прошли в имении отца среди деревенской природы Смоленского края. Там он узнал и полюбил народные песни, заслушивался ими. Во впечатлительную детскую душу маленького Глинки глубоко запали сказки крепостной няни Авдотьи Ивановны, нежно и преданно любившей его.

Огромное впечатление произвели на Глинку события 1812 года. Спасаясь от нашествия наполеоновской армии, семья Глинки покинула имение. Много рассказов о героизме партизан услышал мальчик и навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силе и душевной красоте.

В домашнем быту у родных Глинки часто звучала музыка. У дяди, жившего неподалеку, был хороший оркестр, состоявший из крепостных музыкантов. Музыка производила на мальчика потрясающее впечатление, после концертов он ходил рассеянный. «Музыка - душа моя» - сказал он однажды. Крепостной оркестр дяди исполнял разные произведения, были среди них и народные песни. Вспоминая свои детские впечатления, Глинка писал: «...Может быть, эти песни, слышанные мною в ребячестве, были первою причиной того, что впоследствии я стал разрабатывать преимущественно русскую народную музыку».

Композиторское мастерство Глинки ярче всего проявилось в двух операх - «Жизнь за царя » («Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила ». Он создал образцы национальной русской оперы - героико-эпическую оперу и оперу-сказку. Последующее развитие этих жанров связано с теми принципами, которые заложил Глинка.

Опера «Жизнь за царя» (в СССР в 30-80 х гг. было принято название «Иван Сусанин»; 1836 г.) написана на историко-патриотический сюжет. Композитор обратился к событиям начала XVII в. - борьбе русского народа против польских завоевателей. Сюжет произведения - подвиг Ивана Сусанина - предложил Глинке поэт Василий Андреевич Жуковский.

«Жизнь за царя» - первая русская опера без разговорных диалогов; она основана на непрерывном музыкальном развитии. Музыкальную ткань сочинения пронизывают хоровые сцены. В частности, они открывают (хор «Родина моя») и завершают произведение (заключительный ликующий победный хор «Славься»).

В центре оперы - образ русского крестьянина Ивана Сусанина. Композитор подчёркивает нравственную силу героя. Для его музыкальной характеристики использованы интонации народных мелодий. Антонида, дочь Сусанина, - светлый и поэтичный («нежно-грациозный», по определению самого Глинки) образ русской девушки. Собинин, жених Антониды, - ополченец, удалой, бесстрашный человек, Ваня - приёмный сын Сусанина, - «простосердечный», по словам Глинки, мальчик тринадцати лет. Образы молодых членов семьи Сусанина - Вани, Антониды, Собинина нарисованы в традициях и интонациях бытовой песни романса.

Русским образам противостоит враждебный лагерь поляков. Развёрнутая хореографическая картина представляет «польский акт» оперы - пышный бал в старинном замке. Эта симфоническая композиция передаёт блеск, изящество и гордость шляхты - польской знати. Звучат мелодии и ритмы полонеза, мазурки, краковяка. Красота музыки завораживает, но в целом простота и задушевность «русских» сцен противопоставлена показной пышности «польского акта».

Наконец два лагеря сталкиваются непосредственно - польский отряд приходит в село Домнино к Сусанину и требует, чтобы тот провёл их к месту, где находится царь Михаил Романов. Сцена Сусанина с поляками в лесной чаще, куда он завёл их на погибель, - кульминация оперы. Развязка трагична - главный герой отдаёт жизнь за Россию. Ночью, в лесу Сусанин исполняет свой предсмертный монолог речитатив «Чуют правду», переходящий в арию молитву «Ты взойди, моя заря», в которой герой просит у Бога сил встретить последний час. В ней звучит и глубокая скорбь, и надежда. Музыка - медленная по темпу, строгая и сосредоточенная по настроению - напоминает церковные песнопения.

Опера «Жизнь за царя» с большим успехом была исполнена 27 ноября 1836 года на сцене большого театра в Петербурге. Передовые люди русского общества высоко оценили ее.

Сознание творческой победы вдохновило композитора на новые замыслы, и через несколько лет появилась опера сказка «Руслан и Людмила » (1842 г.). Она написана на сюжет одноимённой поэмы А. С. Пушкина. Неторопливость развития музыкального действия напоминает древние былины и сказания. В опере есть и народные обрядовые сцены, и красочные картины природы, и фантастические образы. Миру русских богатырей (Руслан, Ратмир), песнопевца Бояна, князя Владимира противостоит сказочный мир волшебников - Черномора и Наины. Богатыри показаны с былинной серьёзностью и эпической величавостью. Черномор и Наина (как и незадачливый соперник Руслана - Фарлаф) нарисованы с несомненной долей юмора; автор как бы говорит слушателю: это всего лишь сказочные персонажи, скорее комические, чем злые. Главная характеристика Черномора, властелина волшебного замка, - полушутливый марш. В создании образов большую роль играет оркестр. Рисуя царство Черномора, композитор использует интонации музыки Востока. Перед слушателем проходят турецкий и арабский танцы, лезгинка. Заканчивается опера «Руслан и Людмила», как и любая сказка, победой добра над злом и торжеством любви.

Романсы и песни Глинки - гордость русской классики. Композитор писал их на протяжении всей жизни. Лирические романсы Глинки - это своего рода исповедь его души. В некоторых из них запечатлены картины русской природы и быта. В романсах Глинка обобщил и развил все лучшее, что было создано его предшественниками и современниками - авторами бытового романса. Многие известные романсы, например «Я здесь, Инезилья», «Я помню чудное мгновенье», написаны на стихи А. С. Пушкина. Обращался Глинка и к творчеству В. А. Жуковского, А. А. Дельвига и других русских поэтов. На слова популярного в то время поэта Нестора Васильевича Кукольника композитор создал цикл из двенадцати романсов «Прощание с Петербургом» (1838 г.), а также знаменитый романс «Сомнение», который любил исполнять выдающийся русский певец Фёдор Иванович Шаляпин.

Для оркестра Глинка писал одно частные симфонические увертюры фантазии. Лучшие его произведения в этом жанре - «Камаринская» (1848 г.), «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). «Камаринская», по общему мнению русских композиторов, положила начало отечественной симфонической музыке. «Испанские» увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» - блестящий пример освоения Глинкой интонаций и стиля испанской музыки. Пьеса для оркестра «Вальс фантазия» (1856г.) подготовила по явление симфонических вальсов П. И. Чайковского.

Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культуру России.

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869)

Даргомыжский - младший современник и последователь Глинки. В историю русской музыки вошел как «великий учитель музыкальной правды», смелый новатор.

Взгляды Даргомыжского сложились в период 30-40х.гг. XIX столетия, время бурного развития русской культуры. Он чутко откликался на все передовое, прогрессивное в русском искусстве. В своем творчестве он был близок к демократическим писателям и художникам России. Особенно тесны связи вокальной музыки Даргомыжского с Пушкиным, Гоголем, Лермонтовым. Не случайно лучшие творения Даргомыжского написаны на стихи Пушкина и Лермонтова.

В творчестве Даргомыжского центральное место занимают романсы и оперы . Камерно вокальную музыку композитор сочинял на протяжении всей жизни: он написал свыше ста романсов, песен, вокальных ансамблей. Эти жанры были для Даргомыжского своеобразной творческой лабораторией - в них формировался его музыкальный язык. Самые известные романсы - «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «И скучно и грустно», «Мне грустно"»(на стихи Михаила Юрьевича Лермонтова). Они проникнуты тонким лиризмом, настроением одиночества.

В творчестве А. С. Даргомыжского появился новый жанр вокальной лирики - сатирическая песня . Яркие примеры подобных произведений - песни «Червяк» и «Титулярный советник» (обе 50 е гг.). Используя речитатив, приближающийся к естественной речи, композитор нарисовал выразительные социальные портреты.

К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка» (1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. «Русалка» - первая русская опера в характере психологической бытовой музыкальной драмы. Основная задача, поставленная композитором, - отражение духовного мира героев, их переживаний и характеров.

В 60х гг. Даргомыжский получил широкое общественное признание. С большим успехом прошли премьеры его опер, композитор был избран членом комитета Петербургского отделения Русского музыкального общества.

«Могучая кучка»

Вторая половина XIX века - пореформенное время, отмена крепостного права, либерализация общественной жизни, расцвет революционных настроений в русском обществе. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного явления. Именно тогда в искусстве сформировалась определенная система духовно-эстетических ценностей, которые воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

Музыкальное искусство не осталось в стороне от жгучих вопросов современности. Народнические позиции характерны для мировоззрения многих композиторов, уверовавших в мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции тех лет, воплотила в музыкальных образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника - первозданной природы.

Жанровое своеобразие русской музыки тесно связано с «литературоцентризмом», характерным для художественной культуры пореформенной эпохи. Порожденный эстетикой реализма, он выразился в приоритетной роли слова, художественного и публицистического. Ведущим жанром музык в это время является опера - историческая, эпическая, лирическая, драматическая. Продолжают развиваться и другие синтетические музыкальные жанры - романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой «музыкальную энциклопедию» русской поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.

Вторая половина XIX века - время возникновения товарищества, получившее с легкой руки критика В.В. Стасова, наименование «Могучая кучка» . В него входили М.А. Балакирев, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков, А.П. Бородин.

«Могучая кучка» - выдающееся явление русского искусства. Она оставила глубокий след во многих сферах культурной жизни России - и не только России. В следующих поколениях музыкантов - вплоть до нашего времени -немало прямых наследников Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, Балакирева. Объединявшие их идеи, их прогрессивные воззрения явились образцом для передовых деятелей искусства на долгие годы.

Главой и руководителем «Могучей кучки» был Милий Алексеевич Балакирев (1836/37-1910). Он является одним из основателей (1862) и руководитель (1868-73 и 1881-1908) Бесплатной музыкальной школы. С 1867 года по 69 год - дирижер Русского музыкального общества, а с 1883 по 1894 управляющий Придворной певческой капеллой. Самые известные его произведения - это «Увертюра на темы трех русских песен»(1858), симфонические поэмы «Тамара» (1882), «Русь» (1887), «В Чехии» (1905), восточная фантазия для фортепиано «Исламей» (1869), романсы, обработки русских народных песен и др.

Среди композиторов «Могучей кучки» Модест Петрович Мусоргский (1839-1881) был наиболее ярким выразителем в музыке революционно-демократических идей 60х. гг. XIX века. Именно Мусоргский как никогда другой смог многосторонне, с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду жизни русского народа, воссоздать, как сказал В.В.Стасов, «весь океан русских людей, жизни, характеров, отношений, несчастья, невыносимой тягости, приниженности». Что бы ни писал Мусоргский: оперы, песни, хоры, - всюду он выступает гневным и страстным обличителем социальной несправедливости.

В 1863 г. композитор приступил к сочинению оперы «Саламбо» (по одноимённому роману французского писателя Гюстава Флобера), а в 1868 г. - к опере «Женитьба» (на неизменённый текст комедии Н. В. Гоголя). Обе работы остались незавершёнными, но подготовили Мусоргского к созданию оперы «Борис Годунов» (1869 г.), ставшей значительным явлением в русской музыке.

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере «Борис Годунов» по трагедии Пушкина. В этой трагедии Мусоргского привлекла возможность показать в опере пробуждение силы народа, которая выливается в открытое недовольство, а под конец - в стихийное восстание. Основная идея оперы - это конфликт между преступным царем Борисом и народом, приводящий к восстанию. Внимание композитора было сосредоточено на раскрытии основного замысла: столкновение царя и народа. Народ в опере Мусоргского - главное действующее лицо. Несмотря на большое значение массовых сцен, главное внимание в опере уделено характеристике внутреннего мира героев. На первом плане, безусловно, образ Бориса, который раскрывается через развёрнутые сцены-монологи. Блестяще владея техникой речитатива, Мусоргский передаёт в музыке душевное состояние героя - смутную тревогу, скорбь и подавленность, мучительные терзания совести, страх и даже галлюцинации. Очень сложна в опере партия оркестра. Он гибко следует за голосом, добавляя в вокальную партию важные психологические нюансы. Эта опера близка по духу революционно-демократическим настроениям, которые были в Российском обществе в 60-70 гг. XIX века.

В 1872 г. композитор начал работу над оперой «Хованщина», которую сам назвал «народной музыкальной драмой». Одновременно он писал произведение совсем иного плана - лирико-комедийную оперу «Сорочинская ярмарка» по повести Н. В. Гоголя (осталась незаконченной).

По отзывам современников, Мусоргский был превосходным пианистом. Как дань любимому инструменту он создал большую фортепианную сюиту из десяти пьес «Картинки с выставки» (1874 г.). Замысел сюиты сложился под впечатлением от посмертной выставки работ его друга, художника и архитектора Виктора Александровича Гартмана. Цикл начинается со вступления, которое становится лейтмотивом произведения. Автор назвал его «Прогулка» не случайно: оно передаёт движение посетителя по залам выставки. Далее следуют отдельные «картинки»: «Гном», «Старый замок», «Тюильрийский сад», «Быдло», «Балет невылупившихся птенцов и др. Музыка вступления периодически повторяется, и благодаря этому цикл обретает единство и воспринимается как цельное сочинение.

Мусоргский - автор известных песен и романсов. Первая опубликованная песня «Где ты, звёздочка...» (слова поэта и переводчика Николая Порфирьевича Грекова) дала начало лирической теме в вокальном творчестве композитора, до стигшей вершины в романсе фантазии «Ночь» (слова А. С. Пушкина). Забавные зарисовки русскогого родского быта представлены в романсах «Но если бы с тобою я встретиться могла» (слова поэта Василия Степановича Курочкина) и «Светик Савишна» и «Семинарист» (слова композитора).

Мусоргский - композитор подлинно народный, посвятивший все свое творчество рассказу о жизни, горестях и надеждах русского народа. Его творчество было настолько самобытным и новаторским , что до сих пор оказывает сильнейшее воздействие на композиторов разных стран.

Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887) - неповторимо своеобразный композитор. В музыке продолжал во многом традиции Глинки. В своей музыке Бородин воплотил величие и мощь русского народа, героические черты характера русских людей, величавые образы национального былинного эпоса. И наряду с этим в творчестве Бородина встречаются образы лирические, задушевные, полные страсти и нежности.

Бородин - один из создателей русской классической симфонии (2-я, «Богатырская », 1876, открывшая героико-эпическое направление в русском симфонизме; симфоническая картина «В Средней Азии», 1980), русского классического струнного квартета. Мастер вокальной лирики («Для берегов отчизны дальней»); ввел в романс образы богатырского эпоса, воплотил освободительные идеи 60-х гг. 19 в. («Спящая княжна», «Песня темного леса»).

Замечательно произведение древней русской литературы XII века - «Слово о полку Игореве» - увлекло Бородина увлекло его и вдохновило на создание оперы. В «Слове» рассказывалось о неудачном походе отважного князя Игоря на половцев. Автор призывал князей к объединению, и в этой патриотической направленности произведения заключалась его прогрессивная роль. На этот сюжет Бородин создал свою грандиозную оперу «Князь Игорь» (завершена Римским-Корсаковым в 1890 году).

«Князь Игорь» - лирико-эпическая опера в 4х действиях с прологом. Музыка оперы во многом основана на интонациях народных песен - русских и восточных. Яркими красками написаны народные сцены, как русские, так и восточные. В этом Бородин был последователем Глинки, который для изображения стана врагов также находил художественно убедительную характеристику.

Николай Андреевич Римский-Корсаков(1844-1908). Среди композиторов «Могучей кучки» Римский-Корсаков занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка . Вся его жизнь - это беззаветное и бескорыстное служению искусству, верность своим идеалам.

Круг тем и сюжетов, воплощённых Римским-Корсаковым, широк и многообразен. Как и все «кучкисты», композитор обращался к русской истории, картинам народной жизни, образам Востока, он также затронул область бытовой драмы и лирико-психологическую сферу. Но с наибольшей полнотой дарование Римского-Корсакова выявилось в произведениях, связанных с миром фантастики и разнообразными формами русского народного творчества. Сказка, легенда, былина, миф, обряд определяют не только тематику, но и идейный смысл большинства его сочинений. Выявляя философский подтекст фольклорных жанров, Римский-Корсаков раскрывает мировоззрение народа: его извечную мечту о лучшей жизни, о счастье, воплощённую в образах светлых сказочных стран и городов (Берендеево царство в «Снегурочке», город Леденец в «Сказке о царе Салтане»); его нравственные и эстетические идеалы, олицетворением которых служат, с одной стороны, пленительно-чистые и нежные героини опер (Царевна в «Кащее бессмертном»), с другой - легендарные певцы (Лель, Садко), эти символы неувядаемого народного искусства; его преклонение перед животворной мощью и вечной красотой природы; наконец, неистребимую веру народа в торжество светлых сил, справедливости и добра - источник оптимизма, присущего творчеству Римского-Корсакова.

Особенности стиля и художественного метода композитора с наибольшей полнотой раскрылись в оперном творчестве . 15 опер Римского-Корсакова представляют необычайное разнообразие жанровых, драматургических, композиционных и стилистических решений. Среди них - сочинения, тяготеющие к номерной структуре («Майская ночь», «Снегурочка», «Царская невеста») и к непрерывному развитию («Моцарт и Сальери», «Кащей бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже», «Золотой петушок»); оперы с широкими массовыми сценами («Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Млада», «Садко», «Китеж» и без них («Моцарт и Сальери», «Вера Шелога», «Kaщей бессмертный»), с развёрнутыми законченными ансамблями («Царская невеста») и без ансамблей («Moцарт и Сальери», «Золотой петушок»). В каждом конкретном (случае выбор жанра, принципы драматургического и стилистического решения обусловлены сюжетными предпосылками. Я никогда не верил и не верю, - подчёркивал Римский-Корсаков, - в одну единую истинную оперную форму, считая, что сколько на свете сюжетов, столько (почти столько) должно быть и соответствующих самостоятельных оперных форм . Утверждая взгляд на оперу как на произведение прежде всего музыкальное, Римский-Корсаков предъявлял в то же время высокие требования к её поэтической основе, единству и выдержанности литературного стиля. Он активно направлял работу либреттистов. Ряд оперных либретто композитор написал сам.

Симфоническое творчество Римского-Корсакова в сравнении с оперным не столь масштабно и многообразно. Однако и в эту область он внёс яркий и своеобразный вклад. Образная конкретность музыкального мышления композитора определила его склонность к программному (главным образом, живописному, изобразительному) и жанровому (связанному с народным песенным и танцевальным тематизмом) симфонизму. Отсюда характерный выбор жанров и форм - увертюра (фантазия), симфоническая картина, сюита и определённая направленность стиля - тяготение к вариационности, орнаментике в развитии материала, особое внимание к колористическим возможностям гармонии и оркестровки.

Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их - глубокое проникновение в жизнь и быт народа, его думы и чаяния.

Гениальный Петр Ильич Чайковский (1840-1893гг.)

Среди русских композиторов-классиков выделяется имя Чайковского. Оно дорого любителям музыки всего мира. Произведения его в равной мере захватывают и волнуют всех людей - музыкантов-профессионалов и широкого слушателя. Свое творчество Чайковский посвятил человеку, его любви к Родине и русской природе, его стремлениям к счастью, мужественной борьбе с темными силами зла. В музыке композитора - вся жизнь человека с ее радостью, скорбью, надеждами, борьбой, отчаяньем. И о чем бы ни говорил Чайковский - он всегда правдив и искренен.

Стиль музыки Чайковского сложился в контексте нетрадиционных представлений композитора о природе национальной самобытности. В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский фольклор не был для него универсальным источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского фольклора, а обращался к «интонационному словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские интонации в сочетании с эмоциональной открытостью, искренностью и мелодичностью сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

Чайковский писал почти во всех жанрах и в каждом из них сказал свое новое слово гениального художника. Но, пожалуй, самым любимым для него жанром была опера. В ней Чайковский явился подлинным реформатором. Оперу композитор представлял себе как самый демократичный жанр. «Опера, - писал он, - и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой...». В основе оперного действия - сильные человеческие чувства и переживания. Большое внимание уделял Чайковский содержанию своих опер, отдавая при этом всегда предпочтение сюжету из русской жизни, поскольку именно русского человека он по-настоящему хорошо знал и понимал.

Одно из лучших произведений Чайковского опера «Евгений Онегин». Еще задолго до решения написать оперу на сюжет «Евгения Онегина» Чайковский горячо увлекся стихами Пушкина. Одним из его любимых мест стихотворного романа было письмо Татьяны к Онегину, и композитор мечтал сочинить музыку на эти слова. Первое исполнение оперы по желанию композитора состоялось силами студентов Московской консерватории под руководством Н.Рубинштейна 17 марта 1879 года.

Свою оперу Чайковский назвал «лирическими сценами». Все внимание композитор сосредоточил на раскрытии внутреннего, душевного мира своих героев.

Опера «Евгений Онегин» - одно из высоких достижений русского оперного искусства. Правдивые образы Пушкинского романа помогли разрешить задачу создания «интимной, но сильной драмы», действующими лицами которой являлись «настоящие живые люди». Личная драма героев разворачивается на фоне бытовых картин. Разнохарактерные бытовые сцены придают опере особенную прелесть.

Новаторство «Лебединого озера»- необычность и непохожесть его на все предшествующее - если и было не до конца сразу понято, то сразу же отмечено и публикой и критикой, хотя порой и вызывало недоумение просвещенных меломанов. Одни упрекали композитора в бедности творческой фантазии, однообразии тем и мелодий, в некоторой монотонности. Другие считали, что музыка прекрасна, более того - даже слишком хороша для балета. Тем не менее премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877 года) прошла с успехом, и спектакль оставался в репертуаре до 1883 года, когда пришли в полную негодность декорации этой постановки.

Первый отзыв в прессе, где создание нового балета было оценено по достоинству, принадлежал Г.А. Ларошу: «По музыке "Лебединое озеро" - лучший балет, который я когда-нибудь слышал... Мелодии, одна другой пластичнее, певучее и увлекательнее, льются как из рога изобилия; ритм вальса, преобладающий между танцевальными номерами, воплощен в таких разнообразных грациозных и подкупающих рисунках, что никогда мелодическое изображение даровитого и многостороннего композитора не выдерживало более блистательного испытания...»

Вместе с тем важное место в творчестве Чайковского занимает и симфоническая музыка. Им написаны 6 симфоний и программная симфония «Манфред», три концерта для фортепиано с оркестром, один для скрипки и ряд оркестровых сюит. Из симфонических одночастных пьес особенно выделяются фантазия «Франческа да Римини» и программные пьесы на сюжеты Шекспира (увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия «Буря»).

Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама» и др.), три балета (« Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления.

«Я желал бы всеми силами души, - писал Чайковский, - чтобы музыка моя распространялась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору» . Желание композитора сбылось.

Творчество Чайковского - вершина мировой музыкальной культуры XIX века - вечно живой и драгоценный родник, из которого не перестают черпать вдохновение композиторы XX века и наши современники.

Заключение

XIX век дал русской и мировой музыке замечательные сочинения. «Руслан и Людмила» и «Иван Сусанин», «Евгений Онегин» и «Лебединое озеро» составляют гордость русской культуры. В золотой фонд русской музыки вошли произведения Бородина, романсы Балакирева, Римского-Корсакого, Бородина, Кюи.

Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное - получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки, лучше узнать самих себя.

Кто самый любимый русский композитор в Америке в наши дни? Конечно же, Чайковский. Многие американцы даже считают Петра Ильича американским композитором. Он в Америке дирижировал своими сочинениями, когда был приглашён на открытие знаменитого Карнеги-Холла в Нью-Йорке. Его музыка почти ежедневно звучит в Америке по радио, особенно 4-я и 6-я симфонии и 1-й концерт для фортепиано с оркестром. Любимым балетом американцев является «Щелкунчик».

Творчество композиторов-классиков Глинки, Даргомыжского, Бородина, Римского-Корсакова, Чайковского - подлинное сокровище русской культуры XIX века. Их традиции нашли претворение и развитие в произведениях композиторов конца XIX-начала XX столетия - Танеева и Глазунова, Лядова и Аренского, Калиникова, Скрябина и Рахманинова. Все они - достойные преемники своих великих предшественников.

В своей курсовой работе я показала музыкальное развитие России XIX века, проанализировала состояние музыкальной культуры, выявила ее особенности, рассказала о композиторах этого столетия и об их произведениях, а также выявила значение русской музыки 19 века для мировой культуры.

Русская музыкальная культура XIX века через слияние с европейской культурой, через ее преобразование приобрела самобытные особенные черты и стала в свою очередь оказывать на нее существенное влияние, развиваясь и по сей день.

Список литературы

1.Большая советская энциклопедия

2.Левашова О., Келдыш Ю. История русской музыки-М.,1980

Энциклопедия Кругосвет

Смирнова Э. Русская музыкальная литература - М.,2001

Никитина Л.Д. История русской музыки-М., 1999

Рапацкая Л.А. История русской музыки: От Древней Руси до «серебряного века»-М.,2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Приложение 1

Гурилев, Варламов,Алябьев, Верстовский

Федор Иванович Глинка

Эскиз костюма Светозара. Опера «Руслан и Людмила»

Приложение 2

Петр Ильич Чайковский

Балет «Щелкунчик» при участии актеров Большого театра

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

Дата « _____________ »

Тема урока .

Цели и задачи:

Познакомить учащихся с классиками мировой музыки

Р азвивать навыки выразительного исполнения песни.

Воспитывать чувство уважения к казахской национальной культуре, богатому музыкальному наследию казахского народа.

Х од урока:

1. Организационный момент . Приветствие, Распевание

2. Распевка.

3.Новые технологии «Вертикальный тематизм»

4 . Формирование новых знаний .

Музыкальные традиции русского народа

Кто поёт, того беда не берёт.

Русская пословица

Музыкальный фольклор русского народа богат мелодичными песнями, весёлыми частушками, задорными дразнилками, величественными былинами, заводными хороводами и плясками. Музыканты, скомо рохи сопровождали пение игрой на неугомонной балалайке, любимой гармошке.

А пастушьи наигрыши исполнялись на гнусавой, немного печальной жалейке и звонкой свирели.

Народная песня - самый любимый музыкальный жанр, который русские композиторы использовали в своём творчестве. Одним из них был Михаил Иванович Глинка (1804-1857). Музыканты называют его «отцом» или основоположником русской классической 1 музыки.

Детство композитора прошло в русской деревне. Здесь его окружали любовь близких и пение крестьян, картины и звуки родной природы, звон колоколов церквей.

М.И. Глинка вспоминает: «...Во время ужина обыкновенно играли русские прсни. Эти грустно-нежные, но вполне доступные для меня звуки мне чрезвычайно нравились. Они были источником самых живых восторгов. Может быть, поэтому я и стал разрабатывать народную русскую музыку. Музыка - душа моя!» Знамениты и другие слова композитора, в которых он говорит о великом значении народной музыки:

"Классический - в переводе с латинского языка - лучший, образцовый. «Музыку создаёт народ, а мы - композиторы - только её аранжируем 2 ». Эту мысль он подтверждает своей знаменитой фантазией для симфонического оркестра «Камаринская». М.И. Глинка использовал в фантазии для симфонического оркестра две мелодии русских народных песен: «Из-за гор, гор высоких» и «Камаринская» 3 . Обе песни постоянно меняют свой облик, как человек - настроение. Начинается произведение с небольшого былинного вступления, будто композитор говорит нам: «Жили-были...»

В «Камаринской» композитор воплотил свою музыкальную мечту, выдумку. Музыка произведения причудлива, непредсказуема. Может быть, это картинка деревенского быта, природы или образ русского человека, который то грустит, то веселится.

В создании музыкальных образов в симфонической фантазии М. Глинки участвуют инструменты симфонического оркестра. Они подражают тембрам русских народных инструментов. Деревянные духовые создают простое, искреннее звучанйе жалейки, свирели, рожка. Струнные инструменты воспроизводят весёлый наигрыш балалаек.

5. Слушание: симфоническую фантазию «Камаринская»

6. Пение:

7. Итог урока

8. Домашнее задание

Особенности исторического развития

XVII век выделяется как один из важнейших этапов развития истории Русского государства. В XVII в. происходят крупные перемены и преобразования в русской общественной жизни и культуре. Эти преобразования были обусловлены концом развития средневековой Руси и началом новой эпохи, связанной с западноевропейской культурой, что привело к столкновению двух различных систем мышления и последовавшим затем конфликтам. Изменения коснулись всех сторон жизни России XVII в., в том числе культуры и искусства. Путь развития русской культуры в XVII в. пересекся с западноевропейским. В русском искусстве, развивавшемся изолированно на протяжении всего Средневековья до второй половины XVII в., появляются новые формы западноевропейского искусства. Постепенно меняется уклад русской жизни.

Процессы исторического развития в XVII в. характеризуются социальными конфликтами. В середине XVII в. Русское государство укрепляется и расширяется, но одновременно с этим постепенно происходит закрепощение крестьян, в результате которого утверждается крепостное право, на долгие годы легшее тяжелым бременем на русское крестьянство. Это вызвало недовольство, бунты, крестьянские войны.

XVII в. стал одной из наиболее драматических страниц русской истории. Его началу сопутствовали неблагоприятные внешнеполитические события 1 - "смутное время" - годы лихолетья, которые сопровождались непрерывными войнами, приведшими страну к разорению. Голод и неурожаи, внутренние противоречия, восстания городских низов, крестьянская война под предводительством Ивана Болотникова (1606), борьба с польской интервенцией характеризуют ситуацию начала века.

Не менее драматичные события связаны и со второй половиной XVII в., ознаменованной расколом русской церкви и движением старообрядцев, крестьянской войной под предводительством Степана Разина, бунтами стрельцов.

Реформы Петра I внесли в привычный уклад русской жизни самые крупные изменения. Успешные войны укрепили Русское государство, способствовали подъему национального самосознания русского народа и привели в середине XVII в. к укреплению мощи России. В это время в состав России вошли Украина, Поволжье, значительная часть Сибири и Дальнего Востока. Многие события XVII в. нашли отражение в народном творчестве, в исторических песнях - песнях вольницы, сложенных в память о крестьянском вожде Степане Разине, немало песен было о Ермаке, Гришке Отрепьеве и убиенном царевиче Димитрии, о Петре I.

Россия XVII в. переживала длительные войны, разруху и серьезные государственные преобразования. Подобная ситуация складывается в это время повсюду. В XVII в. идет борьба с контрреформацией, во многих европейских странах в борьбе за национальное освобождение разрастается народное движение. Особый размах оно приобрело на Украине, завершившись воссоединением Украины с Россией в 1654 г.

Музыкальная жизнь в XVII веке

Музыкальная жизнь этого времени многогранна и противоречива. В ней сплетаются и борются новые и старые явления, средневековые догматические представления - с новыми европейскими. Так, в 1648 г. царь Алексей Михайлович издает указ об изгнании скоморохов и даже уничтожении их музыкальных инструментов: "Гудебные сосуды сжечь!" (Такого указания не давали князья даже в глубоком Средневековье.) Но вскоре по повелению того же Алексея Михайловича в Москве открывается первый придворный театр, просуществовавший четыре года (1672-1676).

С Запада в Россию привозят музыкальные инструменты. Уже не только при дворе, но и бояре заводят у себя музыку на "немецкий лад", у просвещенных западников появляются орган, клавикорды, флейты, виолончели. В XVII в. в Московской Руси начинают развиваться внекультовые формы домашнего музицирования - псальмы и канты.

С начала XVII в. активизируется творчество русских распевщиков, появляется немало авторских распевов, песнопений местной традиции, распространяются северные напевы: соловецкий, тихвинский, новгородский, усольский и южные - киевский, болгарский, греческий. Дальнейшее развитие в XVII в. находит теория знаменной нотации, приведшая к реформам, предпринятым сначала Иваном Шайдуром, а затем Александром Мезенцем. Оба они работали над уточнением звуковысотного уровня знаков: Шайдур ввел киноварные пометы, Мезенец - признаки, благодаря которым стало возможным расшифровать знаменную нотацию в наше время.

История музыки XVII в. делится на две половины; первая еще связана с традициями Средневековья, но в это время уже внедряются элементы, соответствующие новому духу времени. Со второй половины XVII в. (с приездом в Москву в 1652 г. украинских певцов) начинается новый этап развития русской музыки, отмеченный появлением пятилинейной (киевской) нотации и многоголосия гармонического европейского типа.

Во второй половине XVII в. русские музыканты знакомятся с западноевропейской музыкальной культурой, с ее теорией и практикой, техникой композиции, новыми музыкальными жанрами. В жарких спорах формируется новая эстетика искусства. Рождаются полемические трактаты приверженцев старого и нового искусства.

Становление нового стиля происходило в рамках церковной музыки. Его утверждение оказалось непосредственно связанным с реформами патриарха Никона. Новое искусство западного образца для сторонников старых обрядов было чуждой, инородной культурой, оно противоречило исконному древнерусскому канону.

XVII век - это переломная эпоха; как и все переломные эпохи, она конфликтна. Новая эстетика искусства в XVII в. противопоставляется старой. Этот конфликт выражен в искусстве и даже в языке. Проблемы богословские, языковые, лингвистические - споры по поводу новых переводов священных книг, сделанных при патриархе Никоне, - лежали в основе конфликта сторонников старого (староверов, старообрядцев) и нового обряда. К ним примыкал конфликт, вызванный столкновением старого и нового искусства. Поборники старого обряда, утверждавшие старые идеалы, видели в партесной музыке экспансию идеологического противника - католицизма - католическое влияние 2 . Сторонники нового искусства утверждают новый эстетический эталон. Западное искусство становится ориентиром и для русских музыкантов конца XVII в. Запад начинает осознаваться по-разному: для поборников нового искусства (Н. Дилецкий, И. Коренев, С. Полоцкий, И. Владимиров) западная культура становится эталоном. Лучшие западные образцы они стремятся использовать, повторять, копировать. Для сторонников старой культуры, "ревнителей древнего благочестия", все западное чуждо, оно становится объектом отрицания и неприятия (протопоп Аввакум, Александр Мезенец и др.).

В эстетике и системе взглядов музыкантов и теоретиков западного направления развиваются принципы стиля барокко. Обличая своих противников в невежестве, отвергая знаменное пение, его теорию и нотацию, Дилецкий и Коренев утверждают новый ценностный ориентир. Принципиально новым по сравнению со средневековым было понятие музыки (мусикии), которое употреблялось одинаково в отношении как инструментальной, так и вокальной музыки. Дилецкий и Коренев признают необходимость использования органа в обучении музыкантов, особенно композиторов.

Противопоставление этих культур и их открытое столкновение вызвало непримиримый конфликт, который последовал в скором времени. Этот конфликт эпохи, отраженный в старообрядчестве, потряс всю русскую культуру второй половины XVII в. Разрыв, произошедший в ней, проявил себя в музыке так же, как и в литературе, изобразительном искусстве, литургике, в укладе жизни.

Новая музыка была символом нового религиозного сознания, но борьба происходила не только в сфере идеологии, теологических споров, она предметно выражалась в художественном творчестве, в музыкальной полемике. Партесная музыка ассоциировалась с западной, католической культурой. "На Москве поют песни, а не божественное пение, по латыни, и законы и уставы у них латинские: руками машут и главами кивают, и ногами топчут, как обыкло у латинников по органам" 3 , - так обличает протопоп Аввакум новое пение латинского, западного образца, распространившееся в московских церквах XVII в. "Послушать нечего - по латыне поют плясавицы скоморошьи", - сетует он 4 .

Стремление сохранить и консервировать культуру старого времени вообще характерно для многих деятелей XVII в., придерживавшихся консервативно-охранительных тенденций. Д. С. Лихачев усматривает в такого рода "реставраторской" деятельности признак нового времени. К этому типу "реставраторских" явлений относится и новая систематизация знаков знаменной нотации в Азбуках. Например, в "Извещении о согласнейших пометах" старца Мезенца введены уже не только пометы, но и признáки, упрощающие чтение крюков. Исправление книг и певческих текстов "на речь" и борьба с многогласием тоже относятся к тому же типу явлений.

Особенность развития русского искусства XVII в. и заключается именно в диалогичности развития культуры. Старое, не умирая, сосуществует с новым. Со стабилизацией художественно-исторических процессов оно в дальнейшем продолжает развиваться по двум путям: один - путь широких контактов с западноевропейской культурой, идущий синхронно с развитием стилей европейского искусства, другой - путь консервации древней традиции в общинах старообрядцев, ограждавших свое искусство и старые традиции от внешних воздействий на протяжении трех столетий 5 . В это время они оказались в исключительном положении, будучи носителями старой веры и старой культуры, в окружении бурно развивающегося нового искусства они явились хранителями древности.

Ситуация второй половины XVII в. близка к ситуации XI в. Так же как в Киевской Руси X-XI вв. столкнулись две разные культуры - языческая и византийская, в XVII в. старая русская средневековая культура приходит в столкновение с западноевропейской. В XVII в. противоречия этих двух культур обнажаются, возникает оппозиция - "старое" и "новое". Со "старым" связана древняя, благословленная веками средневековая каноническая музыкальная традиция, с "новым" - стиль барокко, партесное многоголосие западного типа. Старое монодическое, знаменное пение, подобно древней иконописи - как бы плоскостное, одномерное, противопоставлялось объемному, многоголосному искусству барокко. В нем возникает новое ощущение пространства. Его фактура, пышная, многослойная, воздушная, передает ощущение движения, типичное для всех видов искусства эпохи барокко.

Под влиянием всех потрясений и перемен в XVII в. начинают расшатываться устои средневекового мировоззрения. В полемике сторонников старого и нового искусства постепенно формируется новая эстетика. Замена одного стилевого направления другим происходила в острой борьбе, вызванной серьезной перестройкой в мировоззрении. Переход от искусства Средневековья к искусству барокко связывался с усилением светского начала, активным развитием новых музыкальных жанров и форм, новым типом музыкального мышления.

Путь развития русской многоголосной музыки в эпоху барокко (с середины XVII до середины XVIII в.) поражает стремительностью. То, что западное искусство прошло за 700 лет, Россия осваивает за сто. В России сразу прививаются традиции западноевропейского барокко, но в русском варианте. Молодое, энергичное, свежее искусство барокко увлекает своей красотой, богатством, полнокровностью красок. Многохорные концерты, распространившиеся сначала на Украине, а затем и в Московской Руси, поражали слушателей небывалым великолепием.

Искусство барокко конца XVII - первой половины XVIII в. связывается с появлением партесных концертов (от лат. partis - партия), названных так потому, что в отличие от унисонного русского пения их пели по партиям. Эпоха барокко в России была связана с бурным расцветом многоголосия. После столь долгого господства монодии, продолжавшегося почти 700 лет, начинается полоса господства многоголосия. Создаются партесные многоголосные композиции на 4, 8, 12 - до 48 голосов, причем нормой становятся произведения на 12 голосов. Вырабатываются приемы гармонического и полифонического письма. С середины XVII в. утверждается новый стиль партесного пения, соответствующий эпохе барокко, который нашел свое воплощение в партесных гармонизациях песнопений древних распевов, авторских композициях, в кантах, псальмах и концертах.

Концертное пение, завезенное в Московскую Русь с Украины, было порождением европейской культуры. Из Германии и Италии, через Польшу оно проникает на Украину, а затем в Москву. Такой путь был естественным для того периода в XVII в., когда многие западные влияния в искусстве попадали в Россию главным образом из Польши через Украину.

Юго-западное влияние в Московской Руси

В середине XVII в. значительно усиливаются непосредственные связи России с Западной Европой 6 , но особенно важным в это время оказалось влияние украинско-белорусского просветительства, усилившееся с момента присоединения Украины к России (в 1654 г.). Объединение Украины с Россией способствовало преобразованию русской культуры. Являясь частью Речи Посполитой, Украина освоила многие особенности католической польской культуры. В начале XVII в. на Украине под воздействием польской культуры формируются новые формы художественного мышления, которые непосредственно связаны с западноевропейским влиянием, особенно итальянским. Польская культура через украинских музыкантов с середины XVII в. начинает активно воздействовать на культуру Московской Руси.

В середине XVII в. в Москву переселяются украинские и белорусские ученые, певцы, книжники. Среди них были украинский филолог, переводчик, педагог, автор словарей Епифаний Славинецкий, белорусский поэт и драматург Симеон Полоцкий, занявший видное положение при московском дворе, будучи воспитателем царских детей.

Благодаря деятельности этих просветителей открываются новые учебные заведения - школы, училища 7 . Одним из таких заведений была Славяно-греко-латинская академия (1687), выполнявшая роль высшего учебного заведения, в котором большое внимание уделялось филологии, языкам, поэзии. Крупнейшим культурным центром был основанный патриархом Никоном Воскресенский Ново-Иерусалимский монастырь. Как отмечает Ю. В. Келдыш, роль этого монастыря была весьма значительна, здесь "зарождались и находили поддержку новые течения в области поэзии и церковного пения, новые музыкально-поэтические жанры" 8 .

Пению на Украине всегда уделяли главное место. По природе очень музыкальный, украинский народ в XVI-XVII вв. быстро усовершенствовал свое певческое дело, чему способствовала борьба православия и католицизма. Огромное влияние украинская музыка испытала со стороны польской музыкальной культуры. Уния 9 1596 г. облегчила латинскому пению путь на клирос. С особой силой это сказалось в юго-западной части Украины, где политическое господство Польши, религиозная зависимость униатов от Рима и культурные связи с Польшей обеспечили путь распространению западноевропейской музыки.

Проникновению польского влияния немало способствовали многочисленные южнорусские братства, которые соперничали и с католическим влиянием и между собой. Борьба с польским католическим влиянием вынудила украинских певцов учиться новому пению и пользоваться оружием своих противников. Известно, например, что Львовское братство в середине XVI в. отправляло дьяков в Молдавию для обучения греческому и сербскому распевам, а галицийские города посылали дьяков учиться церковному пению в Румынию.

Многоголосное "органогласное", то есть подражающее звучанию органа, пение воспринималось на Руси как "латинская ересь", соблазн 10 . Вместо прежних духовных стихов запели псальмы и канты, часто на польском языке. Изменилась исполнительская эстетика. На смену сурово-сдержанным мелодиям знаменного распева пришли выразительные "сладкозвучные" мелодии. Лучше всех разницу стиля украинского и московского пения показал арабский писатель Павел Алеппский, побывавший на Украине и в Москве в 1654-1656 гг.: "Пение казаков радует душу и исцеляет от печалей, ибо их напев приятен, идет от сердца и исполняется как бы из одних уст; они страстно любят нотное пение, нежные сладостные мелодии". В московском же "ирмолойном" - унисонном пении П. Алеппского удивило пристрастие русских к низким мужским голосам: "Лучший голос у них - грубый, густой, басистый, который не доставляет удовольствия слушателю. Как у нас он считается недостатком, так у них наш высокий напев считается неприличным. Они насмехаются над казаками за их напевы, говоря, что это напевы франков и ляхов" 11 .

На Украине в XVII в. складывается новая манера выразительного пения, создаются новые типы монодических распевов. Украинские певческие рукописи XVII в. - Ирмологионы, полны песнопениями местных распевов. Их названия чаще всего связаны с местом их возникновения и распространения на Украине - волынский, львовский, острожский, слуцкий, кременецкий, подгорский. Иногда их распевы связаны с местной монастырской традицией пения, чаще всего с крупными монастырями - супрасльский, киево-печерский, межигорский, кутеинский. Но самыми распространенными, ставшими широко известными в Москве, были три - киевский, болгарский и греческий. Их, по-видимому, привезли с собой украинские певцы, приезжавшие в Москву в 50-е гг. XVII в., и в частности из певческой школы Киево-братского монастыря, основателем которого был известный украинский просветитель и политический деятель Лазарь Баранович.

Киевский, болгарский и греческий распевы записывали киевской нотацией, они были связаны с системой осмогласия и обладали некоторыми общими стилевыми признаками, отличающими их от знаменного распева. Это были строфичные распевы, основанные на многократном повторении мелодий строф с разным текстом. В новых распевах появились строго определенный метр, ритмическая периодичность, которая сблизила их с кантами и псальмами, имевшими черты европейской мелодики, лирической песенности и даже танцевальности. Так постепенно меняется эстетика древнерусской певческой культуры. Взамен строгого знаменного распева с бесконечно развивающейся, как бы парящей мелодикой без метра, приходят метричные, более простые и песенные, мелодичные, удобные для запоминания напевы.

Выразительностью и мелодичностью отличаются песнопения болгарского распева 12 . Его ритмика симметрична, обычно он укладывается в четырехдольный размер, текст распевается умеренно, хотя нередко встречается и большой внутрислоговой распев.

Для греческого распева 13 характерна лаконичность, простота. Мелодии греческого распева напевно-речитативные, с симметричным ритмом. Они соединяются в музыкальные композиции на основе варьированного повторения строк:

Киевский распев представляет собой южнорусскую ветвь знаменного распева. В его основе - строфичность, построчное распевание текста. В мелодике киевского распева есть и речитативные и распевные построения, часто встречаются повторы отдельных слов и фраз текста, что не допускалось в знаменном пении. Киевский распев широко распространился в Москве со второй половины XVII в. Известны две разновидности киевского распева - большой и малый (сокращенный вариант большого).

Киевским и греческим распевами наряду со знаменным были распеты наиболее важные тексты Обихода, повседневные песнопения Всенощного бдения и Литургии. Немало их и в южнорусском Ирмологионе. С внедрением партесного пения во второй половине XVII в. появились партесные многоголосные гармонизации киевского, болгарского и греческого распевов.

Страница 1 - 1 из 3
Начало | Пред. | 1 | След. | Конец | Все
© Все права защищены